今日推荐——《如何欣赏中国画》

《如何欣赏中国画》是一本探讨中国画原理与中国画欣赏的书。本书第一、第二章，用了“创新与承传”“写真与写意”这两组对立的概念作为欣赏中国画的基本立足点；第三章的“人物画”说明了中国画的人物画与西方肖像画的区别；第四章主要讲中国画的“留白”；第五章的焦点是并非深不可测的“笔墨”；第六章聚焦在中国画特有的形式“手卷”。本书的主要目的就是引领读者进入传统中国画的世界。全书时而采用中西对比视角，时而作深入的平行文本探索和细致的局部读解，体现了作者的深厚学养。

对准焦看画中意

罗淑敏

写这本书是有感而发的。在大学教了多年的中、西绘画史,学生几乎是一面 倒的偏爱西方绘画,对于传统的中国绘画,学生大都“敬而远之”。比方说,有一年的上学年度,修读西方绘画史的同学多达150多人,到了下学年度,选修中国绘画史的学生,急跌至不到40人!

问学生为什么不修读中国绘画史?得到的答案是“传统国画很深奥”。但未曾 修读,又何以知道深奥?学生觉得西画看上去较吸引,风景、人物、静物、抽象 画等,主题鲜明,容易明白,而且西画色彩缤纷,风格多变,单就视觉上的享受而言,已经非常丰富。相比之下,传统国画则大为逊色,大多数国画的主题并不突出,山水画中的山水,看来看去就是不像我们认识的自然景色,人物画又不似现实中的人物,还有更叫人看得不明不白的,是那些寥寥两三笔的水墨花卉,既没有清晰的形象,又没有色彩,怎能表现斑斓的花卉世界?还有各朝代的传统绘画,风格和表现手法看上去都很相似,叫人很难分辨不同时代的特征。以上的印象,看似有理,导致大多数的学生对于传统国画只会“望而却步”,不能进入传统国画的世界。

其实学生对于传统国画“敬而远之”的现象,问题出在他们用错了焦点去看 传统国画。上述的印象是建基于学生对西画的认识而产生的感觉,殊不知，中、西绘画的源头和发展都有各自轨迹,正如20世纪绘画大师潘天寿说 :“东西两大系统的绘画,各有自己的最高成就。就如两大高峰,对峙于欧亚两大陆之间,仰之弥 高。”中、西绘画的两大高峰,各有各的土壤、气候和环境,因此两大高峰培育出来的花卉当有不同的特性,硬要在中国的山峰里寻找西方山峰的花种,是错配了焦点,当然看不明白,甚至错失中国山峰的精彩之处。

西方的准则和价值往往是现代社会的主流,这些准则和价值主导着我们的观念和判断。学生以西画的准则来看传统国画,很自然便会发现中国古代画家在用色、构图、明暗的表现、处理立体空间的技术等等,大都不如西方的画家,真的是不看也罢。其实他们不知道,用色、构图、明暗、立体空间等等,正正不是传统国画的焦点,把焦点放在这些表现上,根本就是戴着一副对焦不准的眼镜去看传统绘画,讨论再多,也不能看清楚眼前的世界。因此,对于修读中国绘画史的同学,以及希望认识传统国画的朋友,我给他们的第一个意见便是 :请撤换你们那副看西画的眼镜,对准焦看传统国画,这样才能看清楚它的面貌和精髓。

本书的作用,是要替读者找出欣赏传统国画的立足点,使读者能够看清楚传统国画的特色,从而真正进入传统国画的世界,只有这样,才是欣赏和讨论的开始。

图书目录

序 对准焦看画中意 / 罗淑敏

第一章 创新与承传

破旧立新的西画

创新非衡量国画的尺

承先启后的转化

临摹之必要

仿古人之风范

从皴法看师承与求变

宋代画院开拓的花鸟传统

文人画家的墨色花鸟

第二章 写真与写意

写真与写意之追求

工艺与艺术之分野

形似与神似之画论

中西方写真有异

写真与写意

山水画不是风景画

不求现场感的山水画

中西画的散点透视法

山水画的宏观角度

三远透视法

写意与画外之音

第三章 人物画不是肖像画

别具一格的人物画

没有个人特征的人物

拒绝个人主义画像

国画社会学

形似不若神似

第四章 留白空灵的构图

从细节到留白

抽象以言志

虚中有实

白而不空

受西画冲击下的留白

立轴式构图

第五章 抽象的笔墨

不容忽视的笔墨

中国毛笔的结构

驾驭笔墨的技巧

画象以外的理想世界

用笔之精准

用墨之通畅

气韵生动 笔断而情不断

第六章 手卷的独特旅程

手卷的形式美学

阅读手卷要诀

游离透视法

外在景致 心灵载体

传统与现代 一次丰盛的视觉旅程

后记 罗淑敏

不得不承认，推荐本书之前是犹豫的。因为探讨“中国画”及“中国画欣赏”的书可谓汗牛充栋，既有先贤古圣的珠玉在前（如宗白华的《美学散步》），亦有高等院校美术学院的大小各类教材。其并不是一个新鲜的话题，做些案头文章、发表些浅见，似乎并不难。可以说，对于中国画的讲解不可谓不多。然而吊诡的是，“芸芸众书”之间，如贡布里希《艺术发展史》一般，内容旧而观点新的好书太少太少，新意与洞见难寻，更鲜有智慧与思想花火的闪现。

然而，《如何欣赏中国画》却是一本貌不惊人的好书（中华书局出版，也可以从另一个侧面印证这本书的品质）。书不厚，却读之让人甘之如饴。打破了传统的“美术史梳理+作品分析+意义讲解”的写作路数，这本书选择了几个中国画欣赏中的关键概念徐徐展开（如“传承与创新”“写真与写意”“人物画与肖像画”“留白、空灵的构图”等），为我们呈现出了作者的灵动思考与深刻洞见。“讲史”“析画”并不是本书的目的，其更多是对中国画识读与认知方式的思考。例如，在谈及对中国画的“少创新”的态度，作者书中开宗明义地指出“焦点在于创新，这是以西方价值的角度作为立足点去看传统绘画而得出来的结论，不能算错。问题是，以‘破旧立新’作为最高准则去衡量传统中国绘画，恐怕是戴错眼镜对错焦，并不适当。”（书中第6页）这为我们鲜明地指出了作者的立场与态度。在娓娓道来的叙述之间，作者继而给出了系列的观点与对作品的多角度分析来对观点进行佐证。譬如，中国画创作中的“承先”“启后”中间，还有“转化”的阶段；皴法中可以看“师承”与“求变”；“宋代画院开辟的花鸟传统与清代花鸟对西方的借鉴”……这些都丰富了我们对中国画“传承与创新”的认识。

在谈及“写真与写意”时，作者在“传神论”的基础上，更是以现代的语言为我们深入浅出地呈现了中国画的精义——画家需要的，不只是以对用以捕捉外在形态的“照相机的眼”，还要一颗看透内在气质的“心眼”；“照相机的眼”摄取的，是物象的形；“心眼”捕捉的，才是物象的神（第56页）。于此看来，中国画的“师法自然”也是一种对自然的超越，故之其山水画没有西方风景画中的“现场感”——“中国画家、哲人对大自然的理解，不在一时一地的景观，而是以一种宏观的视角，观察自然中时节的韵律、恒常的节奏。”（76页）。

类似于上述精辟的论述，在书中可谓比比皆是，笔者这里自不必赘述。特别想说明的是，结合自身的专业美术教育，我想，这种对中国画理解和思考的角度难道不正是现行教育理念所倡导的“大概念”吗？这本书的精妙之处，并不在于对史料的挖掘或对中国画作品细节的繁杂考证，更多是为我们呈现了若干中国画欣赏过程中的“Big ideas”，并围绕此进行了精妙的论述。目前，“核心素养本位的美术教育”正在全国美术教育领域中积极推行，想必更多一线老师对“何为大概念”“如何依据大概念展开教学”有诸多的困惑。我想说，这本书就可以在某种程度上为我们提供一系列中国画教学中的大概念与关键理解。从这个意义上讲，作者抛出的不是信息，更多是借给我们一双“慧眼”。如我们将其的个中观点在教学中进行迁移，一定会有更多的新意与精彩。

短短千言，不能尽意。愿大家有机会能够阅读此书，定有获益。

推荐人介绍

段鹏，首都师范大学美术学院美术教育系副主任，副教授，美术教育学博士，兼任教育部《普通高中美术课程标准》修订组学科秘书、“蒲公英行动——儿童与民间美术”第四期负责人等。曾在《人民日报》《中国美术教育》《中国中小学美术》《美术观察》《装饰》《课程·教材·教法》《基础教育课程》等纸媒刊物发表论文67篇（截止2018年5月），主要研究方向为基础美术教育课程理论、教学法、现当代艺术文化及教育等。

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